L'histoire du nu féminin en peinture (2024)

Tsanko Tsankov - Galerie Maestro, Silence blanc , 2020. Huile sur toile, 80 x 110cm.

L'histoire de la nudité féminine dans l'art n'est jamais la même, car différentes sociétés et cultures ont accepté des scènes de nu à des degrés divers au cours des siècles et des millénaires. En effet, la nudité dans l'art reflète les normes sociales d'un temps et d'un lieu donnés, se référant aux manières dont les choses sont représentées, indélébilement liées à la conception de ce qui est bien ou mal à représenter. En tout cas, bien que la nudité soit souvent associée à la sexualité la plus scandaleuse, elle peut aussi avoir d'autres significations, à tel point qu'elle est liée à des interprétations issues du domaine de la mythologie et de la religion, ainsi qu'à l'étude de l'anatomie et de la expression de la beauté idéale et de la perfection esthétique. Ces multiples approches ont déterminé comment le nu féminin a été, et continue d'être, l'objet de différents modes de représentation dans l'histoire de l'art occidentale.

Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Dessin, Pastel sur Carton, 60 x 80cm.

Le nu féminin : entre art et obscénité

Bien que certains des types de représentations du corps féminin mentionnés ci-dessus apparaissent clairement artistiques et peu scandaleux, dans la plupart des sociétés du passé, les femmes, probablement parce qu'elles jouissaient de moins de droits que les hommes, étaient rarement dégagées d'une représentation majoritairement associée à la sexualité. Pour cette raison même, il semble probable que ce n'est que lorsque les femmes ont obtenu de plus grands droits politiques que le nu féminin a été officiellement et progressivement accepté dans l'art. L'histoire de la représentation du corps féminin semble donc aller de pair avec celle de l'émancipation, dont les étapes ont été figurativement marquées principalement par l'art grec, italien et français. C'est précisément à travers ces points de vue qu'il deviendra évident à quel point le rôle de la femme nue dans l'art est unique, en perpétuel équilibre entre l'art et l'obscénité. Cela signifie que lorsqu'un artiste commence à montrer une femme nue, il marche automatiquement sur le fil du rasoir entre la représentation artistique et « p*rnographique ».

Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Dessin, acrylique, aérosol, crayon et marqueur sur papier. 100 x 70 cm.

1. Préhistoire : le nu fécond et le nu « réaliste »

Dans l'art paléolithique, la nudité féminine était étroitement liée au culte des divinités de la fertilité. Cela est évident dans les premières représentations de la forme du corps humain féminin, appelées "Vénus paléolithiques", caractérisées par les traits prorompétents des femmes obèses avec des hanches et des seins larges, qui dépassent ou pendent vers le bas. La plupart datent de l'Aurignacien et sont en calcaire, ivoire ou stéatite. Les plus célèbres, outre la Vénus de Willendorf, sont la Vénus de Lespugue, la Vénus de Savignano, la Vénus de Laussel et la Vénus de Doln Vstonice. Parlant de peinture, d'autre part, le nu féminin apparaît même dès l'art rupestre, en particulier celui du nord de l'Espagne (zone franco-cantabrique) et du bassin méditerranéen, où les sujets féminins sont capturés dans des scènes communautaires de chasse ou de rituels et danses. Dans ces derniers contextes, les femmes sont immortalisées d'une manière réaliste plus épurée, tout comme dans l'exemple du Tassili n'Ajjer.

L'art rupestre préhistorique du Tassili N'Ajjer, Algérie. Crédit photo : Patrick Gruban/Wikimedia.

Peintures rupestres du Tassili n'Ajjer

Le Tassili n'Ajjer est une chaîne de montagnes située au sud-est de l'Algérie, près de la frontière avec la Libye. Une grande partie de ce plateau, qui abrite des cyprès et des sites antiques, est protégée par un parc national, une réserve de biosphère et un site du patrimoine mondial de l'UNESCO. En termes de nudité féminine, le Tassili n'Ajjer est connu pour son art rupestre, qui, datant de 9 000 à 10 000 ans, montre principalement des troupeaux de bêtes, de grands animaux sauvages tels que des éléphants, des girafes et des crocodiles, et des personnes faisant des choses comme la chasse. et en dansant. Dans ce contexte, il est intéressant d'observer l'image de cinq femmes aux seins nus et aux cheveux longs, au physique extrêmement "réaliste", essayant de se reposer et de parler avec désinvolture.

Pictor Mulier, Cléopâtre nue avec son léopard , 2017. Acrylique sur bois, 80 x 60 cm.

2. L'Égypte ancienne : la beauté à emporter dans l'au-delà

Il est important de noter un élément fondamental de la culture figurative égyptienne antique : dans les œuvres de l'époque, il est assez rare de trouver des femmes représentées dans leurs années tardives ou mûres. En fait, les personnages féminins étaient représentés sveltes, beaux et dans leur fleur de l'âge, traits qui, précisément parce qu'ils étaient immortalisés par l'art, on espérait qu'ils pourraient être assumés par l'effigie même dans l'au-delà. En général, l'art égyptien était tout sauf réaliste, car cette civilisation était extrêmement soucieuse de la façon dont il était perçu. En fait, il n'y a presque pas d'images de femmes enceintes ou de corps féminins après l'accouchement, afin de pouvoir immortaliser exclusivement des personnes au sommet de leur beauté et de leur jeunesse. Néanmoins, dans la Troisième Période Intermédiaire, les savants ont remarqué un changement de style artistique visant à représenter les femmes. C'est précisément à cette époque qu'un type de corps plus arrondi et épaissi est apparu, avec des seins plus gros et tombants. Concernant le corps découvert, en revanche, la nudité était normale à cette époque, à tel point que certains statuts sociaux, ainsi que certaines tâches spécifiques, comme la pêche et le travail manuel, exigeaient que le corps soit dévêtu. En parlant de travail, les serviteurs, les danseurs, les acrobates et les prostituées se déplaçaient complètement ou presque nus, comme en témoignent les "danseuses nues" représentées dans une peinture de la tombe de Nebamun (vers 1350 avant notre ère).

Fresque du tombeau Nebamun danseurs et musiciens, 18ème dynastie. Londres : British Museum.

Le tombeau perdu de Nebamun était un ancien cimetière égyptien de la 18e dynastie, qui a été trouvé dans la nécropole thébaine sur la rive ouest du Nil, un endroit aujourd'hui identifiable avec la ville actuelle de Louxor (Égypte). De cette tombe proviennent de célèbres scènes funéraires décorées, qui peuvent actuellement être admirées au British Museum de Londres. Dans ce dernier endroit, il est possible d'admirer les murs plâtrés de cette tombe, couverts de fresques vives, montrant des scènes idéalisées de la vie de l'époque et de ses activités. Parmi eux, certains des tableaux les plus célèbres se révèlent être ceux représentant des scènes de chasse et des danseurs semi-nus lors d'un banquet.

Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Vénus de Milo , 2021. Peinture, Aérosol / Acrylique / Encre / Huile sur toile, 140 x 90cm.

3. Grèce antique : le corps comme celui d'Aphrodite

Dans la Grèce antique, la femme idéale devait avoir des formes douces, mises en valeur par des fesses rondes, des cheveux longs ondulés et un beau visage sans défaut. De telles exigences convenaient à une époque où avoir plus de graisse sur le corps signifiait être riche, c'est-à-dire pouvoir se permettre de bien manger, se distinguant des classes sociales inférieures et plus affamées. Dans ce contexte, Aphrodite, déesse de l'amour, du sexe, de la beauté et de la fertilité, était représentée avec un visage rond, de gros seins et un corps en forme de poire. Le modèle figuratif incontesté de tels canons est l'Aphrodite cnidia de Praxitèle, une œuvre qui, en même temps, est très importante puisqu'elle a été la première à briser le moule en introduisant le nu féminin dans l'art grec. En effet, la société grecque avait auparavant représenté majoritairement le sexe masculin, limitant la nudité féminine à des scènes de captivité, de soumission et à petite échelle.

Attribué à Onésimos (Grec (Grenier), actif 500 - 480 av. J.-C.), peintre Attic Red-Figure Kylix , environ 490 av. J.-C.Terre cuite, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 in.)Le J. Paul Getty Museum , Villa Collection, Malibu, Californie, 82.AE.14

Kylix attique à figures rouges d'Onésimos

Un exemple de ces premières approches du nu féminin dans la peinture est le Kylix attique à figures rouges, attribué à Onésimos (500 - 480 avant notre ère), une œuvre dans laquelle une femme nue allongée joue au kottabos, une activité populaire dans le symposium masculin. festival. En effet, suivant la tradition de l'événement, la jeune fille au manche d'une tasse profonde (skyphos), attachée à son index, tente de jeter les restes du fond de la tasse vers une cible éloignée. Dans ce contexte, cependant, il est important de souligner que le symposium était en fait exclusivement masculin, de sorte que des présences féminines étaient généralement sur place pour divertir les hommes. En effet, la nudité de celles-ci aurait été trop risquée pour les femmes respectables d'Athènes, mais elle aurait pu être accordée aux esclaves engagés comme prostituées, ou aux « etere », femmes riches qui enrichissaient la soirée de beuverie masculine en chantant, parlant, et montrant l'attrait sexuel.

4. Le monde romain : l'art érotique de Pompéi et d'Herculanum

L'art érotique de Pompéi et d'Herculanum a été mis au jour grâce à une longue série de fouilles archéologiques qui ont débuté au XVIIIe siècle. Cette activité même a révélé combien ledit site était riche en art érotique, représenté à la fois sous forme de fresques et de sculptures. Les particularités de ces sujets indiquent que les coutumes romaines étaient plus libérales que dans la plupart des cultures que nous connaissons, bien qu'il faille souligner que beaucoup de ce qui pourrait nous sembler être des images exclusivement érotiques pourraient en fait être des symboles de la fertilité de la nature dans le sens le plus large, ainsi que des talismans de bonne chance et de bon augure.

Vénus dans une coquille , fresque. Pompéi : Maison de la Vénus dans une coquille.

Fresque de la Vénus dans une coquille - Pompéi

La Maison de la Vénus en coquille, un site découvert entre 1933 et 1935, présente un grand péristyle, qui est essentiellement le centre de la domus. Cette pièce même était dominée par les différentes pièces de la maison, dont les murs étaient décorés dans le style pompéien IV. En réalité, cependant, la maison porte le nom de sa fresque la plus célèbre, à savoir la Vénus dans un coquillage, qui, comparée à l'érotisme prévalant dans l'ancienne ville romaine, s'avère plutôt sage. En fait, la Vénus nue est simplement allongée dans une coquille, alors qu'elle est accompagnée dans l'acte de naissance d'un cupidon et d'un enfant, vraisemblablement le bébé Mars.

Miguel Rojas, Adam Eve , 2022. Dessin, Encre sur Papier, 20,5 x 12,5cm.

5. Moyen Âge : la nudité d'Ève

A l'époque médiévale, suite à la diffusion de la culture issue du christianisme, le corps commença à s'intensifier comme le temple sacré de l'âme, qu'il fallait à tout prix préserver des pulsions charnelles, annonciatrices de péchés graves aux yeux de Dieu. Malgré de telles hypothèses, le vice continuait de sévir, à tel point que c'était dans la sensualité du corps féminin, dérivée de l'Eve pécheresse, que le diable et la personnification de la luxure étaient identifiés. Pour cette raison, l'époque médiévale présente de nombreuses œuvres, représentant l'ancêtre, souvent représentée dans sa nudité naïve et immature, déjà capable de saisir la pomme du péché.

Masaccio, Expulsion des ancêtres d'Eden , 1424-25. Fresque, 214 x 88 cm. Florence : Chapelle Brancacci (église Santa Maria del Carmine).

Expulsion des ancêtres d'Eden (1424-1425) par Masaccio

L'Expulsion des ancêtres d'Eden est une fresque de Masaccio, située dans la chapelle Brancacci de l'église Santa Maria del Carmine à Florence. Il montre Adam et Eve après avoir enfreint les règles de Dieu et ainsi mangé le fruit de la connaissance. En fait, ils sont montrés nus et impuissants alors qu'ils sont emmenés du paradis terrestre. En réalité, cependant, il est bon de souligner comment, dans le récit de la Bible, Adam et Eve ont franchi le seuil du Paradis vêtus.

Masolino, Tentation d'Adam et Eve , 1424-25. Fresque, 260 x 88 cm. Florence : église Santa Maria del Carmine.

Tentation d'Adam et Eve (1424-25) par Masolino

Dans la même chapelle que l'Expulsion des ancêtres d'Eden de Masaccio, il y a une autre œuvre avec un thème « apparenté » : La Tentation d'Adam et Eve ou Péché originel, une œuvre de Masolino vers 1424-1425. La fresque montre une scène célèbre de l'Ancien Testament, à savoir lorsque le serpent du livre de la Genèse tente de convaincre Adam et Eve d'enfreindre les règles. Cet épisode, situé dans le style gothique tardif, est caractérisé par la lumière, qui façonne les personnages de manière douce et enveloppante, comme s'il en émanait une lueur diffuse. De plus, le fond sombre renforce la plasticité sensuelle des nus des deux pécheresses.

Nagy Peter, Vénus , 2021. Peinture, Acrylique / Marqueur sur Toile, 40 x 50 cm.

6. L'ère de la Renaissance : le début de la sensualité

De la fin du Moyen Âge au début de la Renaissance, les normes de beauté féminine ont radicalement changé : elles sont passées de modèles pâles et maigres aux seins à peine visibles à des femmes charnues aux hanches larges et aux lèvres et joues peintes en rouge. La plupart des mécènes de l'époque ne pouvaient résister à de tels canons esthétiques, à tel point qu'ils exigeaient des sujets sacrés comme excuse pour contempler la sensualité susmentionnée. Dans ce contexte chrétien, la nudité devenait de plus en plus un signe de sainteté, de pureté et de mortification du corps et, si elle était comprise en dehors de cette sphère, elle était interprétée comme une référence évidente à la luxure et à la lascivité les plus sans scrupules. De même, à l'époque, les nus étaient acceptés, et non diabolisés, s'ils étaient liés à une allégorie spécifique ou à la reconstitution d'un événement mythologique. Un exemple de ce qui précède est la créature céleste et asexuée de la Vénus de Botticelli, une œuvre en nette contradiction avec les tendances de la fin de la Renaissance, bien illustrée par la Vénus d'Urbino plus «provocante» de Titien.

Sandro Botticelli, Naissance de Vénus , 1485. Tempera sur panneau, 172,5 x 278,5 cm.

La Naissance de Vénus (1476-1487) de Sandro Botticelli

Au centre du tableau, Vénus, debout sur un coquillage à sa sortie de l'eau, semble bouger comme si elle flottait légèrement sur les vagues. La déesse est nue, entourée sur le côté droit de la toile par Zéphyr, qui, soucieux de tenir la nymphe Clori, souffle vers Vénus. L'idée de ce chef-d'œuvre est tirée des Métamorphoses d'Ovide. En effet, l'écrivain latin raconte que Vénus, déesse romaine de l'Amour, est née directement de l'écume de l'océan, au large de l'île de Chypre. C'est précisément à cette dernière destination que semble atterrir la déesse de Botticelli, maître, qui, dans la conception d'un tel chef-d'œuvre, s'est inspirée de la culture néo-platonicienne prévalant dans la Florence de l'époque, au sein de laquelle triomphe la pensée , selon laquelle l'amour représente un principe vital et la force du renouveau de la nature.

Tiziano Vecellio, Vénus d'Urbino , 1538. Huile sur toile, 119 x 165 cm. Florence : Galerie des Offices.

Vénus d'Urbino (1538) de Titien Vecellio

La Vénus d'Urbino est un tableau parfaitement équilibré, dont la composition n'enlève rien au naturel sensuel de l'effigie, représentée sans aucun vêtement, allongée sur un matelas recouvert d'un tissu à motifs floraux surmonté d'un drap blanc. Dans ce contexte, Vénus, coiffée de détails précieux et dont les cheveux sont partiellement tirés en arrière pour former un chouchou qui couronne sa nuque, s'appuie contre deux oreillers afin de soutenir le haut de son corps. Le visage de la déesse, qui recouvre sensuellement son pubis de sa main gauche, est tourné vers l'avant, comme si elle voulait regarder directement le spectateur. Dans la salle abritant Vénus, richement meublée dans le style Renaissance, on entrevoit également la présence d'un petit chien et de deux servantes, occupés à extraire des vêtements d'un coffre. Interprétant plus précisément les intentions de Titien, l'œuvre a été créée à la demande de Guidobaldo, qui souhaitait utiliser le chef-d'œuvre comme exemple de vie conjugale à proposer à sa femme Giulia da Varano. Ainsi, pour satisfaire le mécène, l'artiste italien actualise la figure classique de Vénus, l'étire dans un décor du XVIe siècle et en fait la porteuse d'un message moral novateur. En fait, la présence des roses fait allusion à la beauté, tandis que celle du chien fait référence à la fidélité, une particularité moins affirmée, mais espérons-le plus durable.

Niko Sourigues, Nu debout , 2017. Huile sur toile, 41 x 33 cm.

7. Maniérisme et baroque : la sensualité de la torsion et du dynamisme

Le maniérisme est un courant artistique, d'abord italien puis européen, dont les origines remontent au XVIe siècle. Les nus féminins de cette tendance figurative ont été principalement placés dans des compositions complexes, étudiées au point d'être artificielles, car elles sont marquées par des distorsions de perspective construites, dans lesquelles la disposition excentrique des sujets, rendue à travers la figure serpentine typique, réalisée comme le dynamisme d'une flamme de feu, se démarque. A la sensualité "torsadée" s'ajoute une utilisation précise de la lumière, visant à souligner les expressions et les mouvements, au prix d'être parfois irréaliste. Il convient de souligner comment ces particularités seront héritées par la période baroque ultérieure et connexe, au cours de laquelle le nu féminin, rendu encore plus érotique par l'accentuation de la sensualité maniériste, a continué à être exploité pour immortaliser des thèmes principalement mythologiques et allégoriques.

Allégorie avec Vénus et Cupidon (1540 1545) par Bronzino

"Vénus nue avec Cupidon l'embrassant, et Plaisir d'un côté et Jouissance avec d'autres amours, et de l'autre Fraude, Jalousie et autres passions d'amour." La description de Giorgio Vasari nous présente l'Allégorie de Bronzino avec Vénus et Cupidon, une œuvre commandée vers 1540 par Cosme Ier, le deuxième et dernier duc de la République florentine, qui voulait rendre hommage, à travers le don du chef-d'œuvre susmentionné, au roi de France François Ier, afin de se gagner des opportunités politiques avantageuses. C'est précisément cette intention qui rend l'œuvre, qui immortalise Vénus vainquant Cupidon, encore floue dans sa signification, à tel point que le sujet représenté peut avoir été élaboré par un homme de lettres, probablement membre du milieu culturel florissant du XVIe- cour des Médicis du siècle. En parlant de la description du chef-d'œuvre, l'huile représente Vénus et Cupidon, les protagonistes incontestés du tableau, qui ont été immortalisés sans vêtements, tandis que leurs corps, si froids qu'ils ressemblent à des sculptures de cire, s'entremêlent harmonieusem*nt, tant de sorte que la déesse semble prendre la pose contorsionnée d'un serpent sensuel. Dans cette atmosphère langoureuse, Vénus et Cupidon viennent s'embrasser, au moyen d'un rapport confus, trop sensuel pour être une manifestation de l'amour chaste entre la mère et le fils. L'ambiguïté des deux protagonistes se double de celle des personnages qui les entourent, ainsi que des masques posés au sol. En effet, le monstre au visage de jeune fille, ayant dans une main un doux rayon de miel dans l'autre un dard venimeux, devient la personnification probable de la "tromperie", tandis que les masques font allusion au fait que tout dans cette scène est un acte. Juste, Vénus et Cupidon, s'ils sont bien observés, révèlent leur trahison imminente l'un de l'autre : alors qu'ils s'embrassent, elle tire une flèche de son carquois et lui, en même temps, est sur le point de lui voler le diadème de ses cheveux.

Peter Paul Rubens, Vénus dans le miroir, 1613/14. Peinture. Vienne : Musée du Liechtenstein.

Vénus dans le miroir (1613-14) de Peter Paul Rubens

Dans le chef-d'œuvre sensuel du maître flamand, le miroir est utilisé pour montrer la beauté de la déesse sous différents points de vue. Un tel stratagème de perspective se déroule dans une scène de la vie privée, dans laquelle la déesse est représentée de dos vêtue uniquement d'un voile blanc, qui enserre ses hanches. C'est précisément à travers le miroir en surplomb, soutenu par un cupidon, que l'on peut faire connaissance avec le visage parfait de Vénus, distingué par son ovale régulier, animé par la présence de joues roses et d'un regard concentré, qui s'accompagne d'un soupçon de sourire. La sensualité de cette atmosphère voyeuriste est renforcée par le mouvement sinueux des longs cheveux blonds, soigneusem*nt travaillés comme s'il s'agissait de fines mèches d'or. Enfin, un tel chef-d'œuvre s'avère clairement inspiré par Titien et Véronèse, car la lumière chaude et les couleurs vives créent des contrastes de couleurs saisissants destinés à mettre davantage en valeur la beauté de la déesse.

Naïs Philip, Venus , 2020. Huile sur toile de lin, 97 x 146 cm.

8. Romantisme et Réalisme : un peu explicite

Le nu féminin, à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, c'est-à-dire coïncidant avec l'avènement du Siècle des Lumières, s'affranchit du mythe, comme le montre par exemple l'investigation artistique de François Boucher qui, dans des œuvres comme L'Odalisque brune (1745) et Fragonard (1765-72), peint des jeunes femmes ordinaires prises dans des décors intimes et très sensuels. Un tel récit libre et audacieux de la féminité s'est poursuivi avec un grand succès dans le romantisme et le réalisme. Dans le premier de ces deux derniers mouvements artistiques, le nu féminin est devenu très expressif, le romantisme mettant fortement l'accent sur la couleur afin d'obtenir des représentations plus dramatiques, à propos de sujets explorant de multiples thèmes, tels que orientaliste, étrange, mystérieux, tragique, héroïque et extrêmement passionnés, visant à exalter la plus pure liberté d'expression de l'être humain. Quant au réalisme, en revanche, il est bien résumé à travers l'analyse de l'investigation figurative de Gustave Courbet, le père du mouvement qui a surmonté les "erreurs romantiques et classicistes" afin d'apporter une plus grande fidélité au rendu du réel. donnée dans le nu, dépassant cette concenzione idéalisée du corps féminin.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Odalisque , 1814. Huile sur toile, 91 x 162 cm. Paris : Musée du Louvre.

La Grande Odalisque (1814) de Jean-Auguste-Dominique Ingres

Entre le néoclassicisme et le romantisme ultérieur se trouve l'un des nus les plus connus de l'histoire de l'art, à savoir La Grande Odalisque de Jean-Auguste-Dominique Ingres, une huile sur toile conservée au célèbre musée du Louvre à Paris. La protagoniste de ce chef-d'œuvre est une belle jeune odalisque, qui a été capturée au moment où elle est confortablement allongée sur un lit recouvert de draps fins. Quant à sa nudité allongée, elle, en écho aux modèles classiques, empruntés aux Grecs, s'avère nette, élégante et raffinée. En effet, les parties les plus intimes de l'odalisque ont été habilement dissimulées, de sorte que seule la partie inférieure d'un sein est visible. Parlant du regard, la raggazza, vue de trois quarts, expose son beau visage au spectateur, vers qui elle dirige également son regard, encadré par la présence d'un beau turban, qui, noué autour de sa tête, lui cache l'essentiel Cheveu. Enfin, une telle image est clairement le résultat de l'influence que le monde oriental a exercée sur le maître français, une réalité qu'il a probablement connue à travers les campagnes de Napoléon en Orient.

Goya, Maja desnuda , 1790-1800, huile sur toile, 95 x 190 cm. Madrid, Musée du Prado.

Maja desnuda (vers 1790) de Francisco Goya

Maja desnuda et Maja vestida sont deux peintures de Francisco Goya, qui, réalisées à la fin des années 1700 et au début des années 1900, peuvent toutes deux être vues à l'institution du musée du Prado à Madrid. Dans le premier chef-d'œuvre du peintre qui a anticipé le romantisme, la pose de la femme, en l'occurrence nue, est la même que dans le second : la femme est allongée sur un canapé, les bras derrière la tête, entourée d'un fond sombre. Il est presque certain que ces deux peintures sensuelles ont été commandées par Manuel Godov, le premier ministre espagnol, une personne très puissante qui pouvait se permettre d'aller à l'encontre du conservatisme de l'Église. Malgré cela, les œuvres audacieuses ont été saisies et plus tard exigées par le Tribunal de l'Inquisition, qui avait interdit les images de nus sans prétextes allégoriques ou mythologiques dans toute l'Espagne. En ce qui concerne l'identité du modèle, de nombreux récits de l'époque reconnaissent dans ses traits Maria Teresa Cayetana de Silva, duch*esse d'Alba qui accueillait chez elle des politiciens et des artistes célèbres, parmi lesquels Francisco Goya, peintre avec qui elle eut une relation passionnée.

Gustave Courbet, L'Origine du monde , 1866. Huile sur toile, 46 x 55 cm. Paris, Musée d'Orsay.

L'Origine du monde (1866) de Gustave Courbet

L'Origine du monde de Gustave Courbet est un tableau qui montre, dans la perspective d'un gros plan réaliste, le pubis d'un corps de femme, sensuellement entouré par les seins et les cuisses adjacents, qui apparaissent naturellement, et confortablement, allongés sur un feuille blanche échevelée. Un sujet aussi novateur a fait scandale au moment de sa création, car il offrait un point de vue presque extrêmement juste et sans filtre sur le corps féminin, qui était pris, pour la première fois, dans un contexte, et sous un angle, qui était extrêmement intime et privé, capable de nous révéler ce qui se cachait entre les jambes de l'effigie. En réalité, cependant, il convient de souligner que L'Origine du monde n'est pas une œuvre p*rnographique, car elle est le résultat d'une étude assidue de l'artiste, qui s'est attachée à rendre au mieux les traits de la réalité. L'intention qui vient d'être mentionnée a été atteinte grâce à une étude minutieuse de la représentation, ainsi qu'à l'utilisation de la technique italienne du tonalisme, qui transforment le chef-d'œuvre en une œuvre d'une grande maîtrise technique. De plus, le sens potentiellement scandaleux pourrait être remplacé par la mise en scène d'une métaphore authentique, celle de la grande magie de la reproduction féminine. Néanmoins, aujourd'hui encore, le fort réalisme avec lequel a été peint le modèle, probablement Constance Quéniaux, danseuse de l'Opéra de Paris, rend le tableau « inconfortable » à regarder, alors qu'en fait, l'œuvre la plus scandaleuse du XIXe siècle raconte une autre histoire : celle de la diffusion des premières photographies érotiques, qui eut lieu précisément au moment de la conception du chef-d'œuvre !

Trnski Velimir, Bain dans la forêt , 2021. Acrylique sur Toile, 58 x 40 cm.

9. L'Impressionnisme et l'Ecole de Paris : les prostituées modèles.

Les œuvres des impressionnistes montrent souvent des femmes nues, même si ce type de sujet met l'Académie et les Parisiens en général mal à l'aise, à tel point qu'en 1863, c'est-à-dire lors de l'exposition du Petit déjeuner sur l'herbe de Manet, le tableau provoque un grand scandale, du fait que la femme nue du chef-d'œuvre est apparue assise sur l'herbe avec deux bourgeois parisiens. Le problème était que le modèle, qui n'était ni une nymphe ni une figure allégorique, sujets privilégiés par les artistes académiques qui cherchaient à imiter les grands artistes comme Raphaël, semble poser avec des attitudes de prostituée, dont le regard provocateur est dirigé vers le spectateur, comme si elle voulait l'inviter au « banquet ». Justifier cette interprétation serait aussi le fait que Manet a peint une grenouille dans l'œuvre, un animal qui, dans la langue de Paris de l'époque, faisait précisément allusion à la figure de la prostituée. Enfin, il convient de noter à quel point ce type de sujet féminin persistera dans l'œuvre du maître, tout comme en témoigne Olympia, une huile de 1863 qui représente une femme dans une attitude encore plus explicite et impudique, avertissem*nt d'une mauvaise réputation. Après les impressionnistes, les artistes de l'École de Paris, groupe né au début du XXe siècle, n'ont cessé de scandaliser avec leurs nus féminins, comme le montre le cas d'Amedeo Modigliani.

Édouard Manet, Olympia , 1863. Huile sur toile, 130,5 x 190 cm. Paris : Musée d'Orsay.

Olympia (1895) d'Édouard Manet

L'Olympia d'Édouard Manet est un tableau bien connu dont le style novateur, précurseur de l'impressionnisme, et le sujet féminin représenté, probablement une prostituée, ont suscité de nombreuses discussions au Salon de Paris de 1865. Dans l'œuvre, la jeune fille en question est capturée alors qu'elle est sensuellement allongée sur un lit, un endroit d'où elle jette un regard aigu sur le spectateur. De plus, la protagoniste, dont le visage ne montre aucune émotion, ne porte, dans sa nudité totale, que des sabots, un bracelet, des boucles d'oreilles en perles et un fin cordon noir noué autour du cou. Dans ce contexte, il convient de noter que dans ce chef-d'œuvre, où figurent également une femme noire et un chat noir, Manet a proposé un nouveau regard sur les femmes nues, les représentant de manière directe, brute et sans compromis avec la morale. du temps. En effet, au lieu du classique nu idéalisé, il propose l'image froide et réaliste d'une jeune prostituée, dont la figure n'est pas revisitée avec des intentions mythologiques, allégoriques ou symboliques. De plus, c'est précisément la pose classique de la sage Vénus, c'est-à-dire la Vénus avec la main sur le pubis, qui est reprise dans ce contexte résolument plus terrestre.

Edgar Degas, La Baignoire , 1886. Pastel sur carton, 60 x 83 cm. Paris : Musée d'Orsay.

La Baignoire (1886) d'Edgar Degas

Edgar Degas était extrêmement intéressé et attiré par la vie parisienne, même la vie la plus intime et cachée de la ville, un aspect très perceptible dans sa série de peintures "voyeuristes", visant à représenter des femmes nues qui, à l'intérieur de leurs maisons, étaient aux prises avec pansem*nt. Le pastel de 1886, intitulé La baignoire, réinterprète le sujet susmentionné, si cher aux artistes de la Renaissance, à travers une nouvelle coupe de la composition, visant à briser les règles traditionnelles du nu, afin de montrer le corps d'une femme vu d'en haut. En effet, la jeune femme est représentée repliée sur elle-même, la main gauche sur le bassin et la main droite sur les cheveux. De plus, son visage est caché par une ombre complice, tandis que son beau dos se courbe comme une arche, laissant apparaître son cou et ses fesses.

Amedeo Modigliani, Nu couché , 1917-18. Plonger dans.

Nus scandaleux d'Amedeo Modigliani

En 1917, l'artiste livournais Amedeo Modigliani, également connu sous le nom de Modì et Dedo, organise une exposition personnelle à la galerie Berthe Weill à Paris. A cette occasion spéciale, Léopold Zborowski, un marchand d'art polonais qui a vendu les oeuvres du jeune italien à ladite entreprise, a été mandaté pour mettre en place ladite manifestation. Avant ce projet, Modigliani n'avait jamais été exposé auparavant, à tel point que celui du Weill représentait sa toute première exposition personnelle. Malgré "l'inexpérience", ce fut un début fougueux, car les nus affichés dans la vitrine, d'une beauté inhabituelle et loin des normes de l'époque, ont conduit à l'intervention de la police, qui a procédé à faire baisser les fenêtres et à perturber ces visions scandaleuses. . Le plus drôle, c'est que lorsque Berthe Weill a demandé aux officiers ce qu'il y avait de si choquant dans une série de nus, c'est-à-dire des sujets qui ont été peints depuis des milliers d'années, ils ont répondu : "il y a que ces nus ont des cheveux". Pour cette raison, la première exposition de peintures de nus de Modigliani a été annulée avant même d'avoir commencé.

Victor Molev, Kabbale , 2020. Peinture, huile sur toile, 28 x 36 cm.

10. Expressionnisme et surréalisme : interprétations personnelles et visionnaires

Parmi les avant-gardes du XXe siècle, les nus expressionnistes et surréalistes se distinguent par leur sensualité, leurs sens cachés, leurs allusions et leurs liens avec le monde intérieur et intime de l'artiste. En ce qui concerne l'expressionnisme, le nu tend à exprimer, à travers le corps, le sentiment individuel de l'artiste, plutôt qu'une simple représentation objective de la donnée anatomique. Par exemple, l'angoisse, la tristesse et le drame existentiel sont les thèmes principaux de l'investigation artistique d'Edvard Much, des sentiments qu'il repropose dans Puberty, une œuvre de 1894 visant à immortaliser une adolescente nue. De même, les artistes de Die Brücke (expressionnisme allemand) dépeignent aussi souvent des adolescentes nues, tout comme Kirchner, qui réalise en 1910 Marcella, une œuvre dans laquelle une jeune fille est représentée avec des formes simplifiées, des couleurs vives et sonores, et un fort, trait expressif. Enfin, un autre expressionniste est Schiele, un artiste dont le thème de la corporéité féminine était l'un des plus populaires, rendu par la fusion de la sexualité et du tourment. Quant au surréalisme, en revanche, la vision du nu féminin de ce courant artistique peut se résumer à travers l'œuvre de son maître le plus célèbre, à savoir Salvador Dali, un artiste qui a abordé la féminité à travers une focalisation poétique sur la dimension inconsciente et onirique du être humain.

Edvard Munch, Puberté, 1894-1895. Huile sur toile, 151,5 × 110 cm. Oslo : Galerie nationale.

Puberté par Munch (1893)

Le nu féminin, ainsi que le thème de la sexualité, est étudié dans le tableau Puberté, réalisé par Munch en 1893. La première version de ce sujet a été réalisée en 1885 ou 1886, mais il a été perdu, de sorte qu'au fil du temps, le le maître l'a reproduit dans plusieurs ouvrages. Dans le tableau de 1893, une adolescente, représentée dans un lieu nu, apparaît assise sur le bord du lit, tandis que, seule et nue, elle a les jambes jointes et les bras croisés sur le pubis. Dans cette pose, ses yeux sont grands ouverts et sa bouche est fermée, comme pour suggérer un état émotionnel perturbé, probablement dû à l'immaturité de son corps, éclairé par une lumière venant de la gauche, visant à générer un étrange et menaçant ombre. C'est précisément cette dernière zone sombre qui semble faire allusion à l'avenir de la jeune fille, projeté comme dramatique, voire tragique. En effet, le sens du travail pourrait être de reconnaître à la puberté le pouvoir de transformer des filles innocentes en femmes, dont la sexualité peut être un outil, soit de plaisir, soit de douleur, pour leurs hom*ologues masculins.

Salvador Dalì, Rêve causé par le vol d'une abeille , 1944. Huile sur bois, 51× 40,5 cm. Madrid : Musée Thyssen-Bornemisza.

Rêve causé par le vol d'une abeille (1944) de Salvador Dali

Dans la composition riche, onirique et surréaliste du Rêve causé par le vol d'une abeille, une œuvre de Salvador Dali de 1944, on retrouve également le corps nu et tendu d'une femme, décidée à flotter sur un rocher au milieu de la mer. La quiétude d'un tel sujet est tout à fait inimaginable, si, comme dans le tableau, on imagine l'approche soudaine de deux tigres énormes et voraces, ainsi que la venue d'un fusil à baïonnette, dont la pointe est même sur le point de toucher la femme. bras. A celles-ci s'ajoutent de multiples images qui apparaissent dans le tableau, à tel point que l'œuvre semble avoir été conçue à partir d'un rêve, une réalité dans laquelle l'étrangeté se succède tout en renvoyant au monde réel. En fait, le chef-d'œuvre provient du récit d'un événement onirique qui est arrivé à la bien-aimée du maître espagnol, à savoir Gala, qui, en raison du bourdonnement d'une abeille qui volait autour de son oreille, a limmaginé toutes les visions ci-dessus successivement.

Andrea Vandoni, La paresse , 2022. Huile sur toile, 73 x 116 cm.

11. Art contemporain : liberté d'expression et regards multiples

Les artistes contemporains peuvent représenter le nu féminin, soit en se référant à la grande tradition figurative du passé, soit en s'exprimant à travers des points de vue libres et novateurs. Dans les deux cas, le but d'une telle enquête, ayant pour sujet la femme, est de révéler la ressemblance de celle qui, selon l'artiste, pourrait exprimer l'idée la plus pure de la féminité, capable d'animer, d'intriguer, d'attirer et d'émouvoir leur imagination. Dans ce contexte, il est impossible de ne pas mentionner l'investigation artistique de Tom Wesselmann, Marina Abramović, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Damien Hirst, Jeff Koons et Fernando Botero, qui, à certaines occasions, ont également représenté le corps féminin nu.

Tom Wesselman

Wesselmann a commencé à peindre des femmes nues vers 1959, rejetant le style dominant de l'expressionnisme abstrait afin de s'exprimer à travers des portraits graphiques et provocateurs. Ces derniers, parfaitement adaptés à la révolution sexuelle des années 1960, reposent souvent dans des poses suggestives et sensuelles, dans lesquelles, parfois, un semblant d'ironie ne manque pas. Ses personnages, dont beaucoup sont inspirés de l'épouse de l'artiste, Claire Selley, présentent souvent des lignes de bronzage vigoureuses, dans le but d'attirer l'œil du spectateur sur les points focaux des seins et du pubis. De sa première série de nus, intitulée "Great American Nude" (1961-73), à sa plus récente "Sunset Nudes" (2003-04), Wesselmann s'est essayé à l'expérimentation de nouvelles techniques et compositions artistiques, dans lesquelles des proches non conventionnels les hauts du corps se détachent, dans le but de générer de nouvelles façons de taquiner les téléspectateurs avec la forme féminine. En résumé, afin de mieux comprendre son travail, on peut directement citer les mots de l'artiste, "Je ne représente des nus pour aucune intention sociologique, culturelle ou émotionnelle." "Le nu, je pense, est un bon moyen d'être agressif, au sens figuré. Je veux provoquer des réactions intenses et explosives chez les spectateurs."

Rétrospective « Yayoi Kusama : 1945 à nos jours ». Hong Kong : Musée M+ !

Yayoi Kusama

Au cours des 50 dernières années, des artistes, des historiens de l'art et des théoriciens ont beaucoup réfléchi à la politique, à la douleur et aux plaisirs du corps et à son lien avec l'identité. Le vaste corpus de travaux de Yayoi Kusama, rempli d'œuvres stimulantes, a abordé bon nombre des sujets ci-dessus. En effet, à travers son large éventail de styles et d'images, qui rendent bien sa personnalité compliquée, l'artiste a investigué le corps, principalement à travers l'art de la performance. Cette enquête a également capturé la nudité de l'artiste elle-même, qui, marquée par ses points emblématiques, apparaît sur des photos célèbres de la fin des années 1960, dans lesquelles Kusama pose avec sa série "Accumulation".

Roman Rembovsky, Dans le jardin d'Eden , 2022. Huile sur toile, 120 x 140 cm.

L'attrait immortel du nu : à suivre...

Le nu, comme les natures mortes, les paysages et les portraits, représente un sujet immortel dans l'histoire de l'art, auquel les artistes ne cesseront d'être confrontés, entrant en "concurrence" avec les plus grands maîtres de tous les temps. Dans ce contexte, le nu féminin s'avère être un sujet de grand intérêt, puisque, si dans l'Antiquité ce sont les hommes qui étaient les plus représentés, on sait comment, à partir de la Renaissance, la gent féminine "s'est imposée" dans ce type de représentation. Par conséquent, le récit ci-dessus ne s'avère pas exhaustif, car il peut être continuellement mis en œuvre par des points de vue futurs, inédits, originaux et, probablement, scandaleux.